La Moda nel Cinema

Jean Louis (n. 1907) è stato il geniale creatore di quell’inimitabile capolavoro di ingegneria che è l’abito di satin senza spalline indossato da Rita Hayworth in “Gilda” (1946), Edith Head (1907–1981).

Edith Head, con 8 Oscar e 35 nominations, è forse stata la più grande costumista che il Cinema abbia mai avuto. È stata lei a inventare lo stile esotico di Doroty Lamour che, in “The jungle princess” (1936; La figlia della giungla), lanciò la moda dei sarong e dei tessuti orientali; e, sempre lei, a ideare lo stile inquietante di Barbara Stanwyck – indimenticabile con la sua catenella alla caviglia – in “Double indemnity” (1944; La fiamma del peccato).

Gli anni Cinquanta

A partire dagli Anni Cinquanta la funzione del Cinema., con il diffondersi della televisione, cambiò molto e con essa la concezione del divismo (v. anche televisione: Divismo televisivo, in questa Appendice). I divi, con cui ci si identificava, continuarono a rappresentare, come nel periodo precedente, i principali modelli di riferimento dell’eleganza, anche se meno idealizzati e inaccessibili rispetto al passato: “figure fatate che si distaccano visibilmente dal comune e con le quali tuttavia il pubblico può identificarsi” (Lipovetsky 1987). A questo proposito si ricordi Marilyn Monroe che, con la sua bellezza procace e il suo erotismo ‘naturale’, si impose come modello da imitare per milioni di ragazze. Le stesse considerazioni si possono fare al maschile per Marlon Brando e Jean Dean che nello stesso periodo diffusero prepotentemente l’abbigliamento informale, caratterizzato da jeans, T-shirt e giubbotto, attraverso film come “The wild one” (1953; Il selvaggio) o “Rebel without a cause” (1955; Gioventù bruciata). È questo “il tempo dei divi dal corpo ‘qualunque’, che seducono non più perché straordinari ma perché come noi” (Lipovetsky 1987; trad. it. 1989, p. 225). Non è tanto la gente che somiglia loro, ma piuttosto il contrario. Da modelli i divi si sono trasformati in riflessi.

Non è un caso, infatti, che i ruoli di Marilyn Monroe, una tra le più note icone dello stile di questo periodo, siano spesso quelli della ragazza ‘della porta accanto’. Recita per l’appunto questa parte nel film di Billy Wilder: “Seven year itch” (1955; Quando la moglie è in vacanza). In questo caso, come peraltro nella maggior parte dei film interpretati dalla diva, il suo costumista è William Travilla. Fu proprio lui a scegliere, per una scena di questo film, il vestito bianco che, sollevato da un colpo di vento sopra le grate della sotterranea, è divenuto uno degli abiti più noti della storia del cinema.

Accanto al fascino ingenuo della Monroe, si afferma in questi anni quello più sensuale e inquietante di Elisabeth Taylor. Sebbene nel corso della sua lunghissima carriera il nome dell’attrice sia stato legato a più di un costumista, la sua prediletta rimase sempre Helen Rose (1908–1985), costumista alla Metro Goldwyn Mayer dal 1942 al 1966, che realizzò per lei le mises di “Cat on a hot tin roof” (1958; La gatta sul tetto che scotta), tra le quali il famoso abito bianco dal corpetto riccamente drappeggiato incrociato sul davanti, la cui copia, posta in vendita nei grandi magazzini, realizzò nel 1958 il record di incassi. In questo periodo, accanto al glamour delle star hollywoodiane, se ne impose uno tipicamente europeo. Brigitte Bardot, per esempio, alla fine degli anni Cinquanta, all’indomani dei suoi successi cinematografici, lanciò la moda della coda di cavallo, delle ballerine e del reggiseno a balconcino a quadretti vichy.

In Italia questa è l’epoca di Cinecittà e delle maggiorate uscite dai concorsi di bellezza: di Silvana Mangano, Sofia Loren e Gina Lollobrigida, che diffusero il loro look procace e prosperoso, con una sensibile differenza rispetto allo stile delle maggiorate d’oltreoceano: la semplicità, gli abiti miseri da popolana presi in prestito dal neorealismo. Con l’affermarsi di Cinecittà e la nascita della nuova ‘Hollywood sul Tevere’, la capitale divenne un importante punto di riferimento per il mondo dello spettacolo internazionale. In questo nuovo clima anche gli atelier si ingrandirono e divennero sempre più sofisticati. È il momento di E.F. Schubert (1904–1972), di F. Gattinoni e delle Sorelle Fontana. Il celebre atelier di queste ultime sarà lo scenario del film di Luciano Emmer, Le ragazze di piazza di Spagna (1952).

Il Cinema ha utilizzato spesso come ambientazione il mondo della moda. Si ricordi per esempio “Roberta” (1935) di W.A. Seiter, “Artists and models abroad” (1936) di M. Leisen, “Mannequin” (1938; La donna che voglio) di F. Borzage, e successivamente “Funny face” (1957; Cenerentola a Parigi) di S. Donen, “Designing woman” (1957; La donna del destino) di V. Minnelli, o ancora “Blow-up” (1966) di M. Antonioni.

In netto contrasto con il modello della maggiorata, tipico degli anni Cinquanta, si affermò anche un altro importantissimo fenomeno divistico: quello che portò alla ribalta lo stile esile e raffinato di Audrey Hepburn. A consacrare l’immagine della giovane attrice, divenuta famosa con “Roman holiday” (1953; Vacanze romane), sarà nel 1954 il personaggio di Sabrina nell’omonimo film di Billy Wilder. Questo è un film chiave per i rapporti tra Moda e Cinema in quanto, per la prima volta, con grande successo, la figura dello stilista si affianca a quella del costumista. In “Sabrina” questa presenza è così importante da divenire un tema narrativo: la Hepburn da modesta figlia di un autista si trasforma, complice un soggiorno parigino, in una sofisticata lady (Campari 1983, p.183). La metamorfosi della protagonista è resa evidente dai raffinati abiti che indossa nell’ultima parte del film, rigorosamente firmati Hubert de Givenchy (n. 1927). Si pone del tutto in secondo piano il fatto che il guardaroba dell’attrice – dagli abitini scollati a barchetta ai pantaloni stretti da torero – fino al fatidico soggiorno parigino sia stato creato da Edith Head, mentre quel che conta è l’inscindibile legame venuto a crearsi tra la Hepburn e Givenchy, un sodalizio rimasto inalterato nel tempo sia sul set sia nella vita privata. Il grande sarto continuò a vestire la Hepburn in film che hanno lasciato il segno nel campo della moda, come “Funny face” (1957) o ancor più “Breakfast at Tiffany’s” (1961; Colazione da Tiffany). In quest’ultimo film l’attrice ha lanciato uno stile, più e più volte reinterpretato dalla moda successiva, con la sua innata eleganza fatta di tubini neri e di grandi occhiali da sole.

Dagli anni Sessanta agli anni Novanta

Gli ultimi decenni, oltre ad aver sancito un più stretto legame tra Cinema e Stilisti – basta pensare a Catherine Deneuve che, dopo essere stata vestita da Yves Saint Laurent (n. 1936) sul set del film di Luis Buñuel “Belle de jour” (1967; Bella di giorno), ha mantenuto con lui un sodalizio che dura ancora -, sono stati caratterizzati da un’ulteriore flessione dell’immagine mitica suggerita dal cinema. Questo fenomeno è dovuto essenzialmente al rapido moltiplicarsi dei mass media e in parte anche all’aumento dei vecchi film di repertorio proiettati in televisione o nelle cineteche (Dorfles). In un contesto di modelli così eterogenei la creatività personale è stata più stimolata in quanto meno legata, rispetto al passato, al successo di un solo film. Tuttavia il Cinema non ha perduto la sua funzione di ispiratore della moda.

Nei tardi anni Sessanta il successo del film di Arthur Penn “Bonnie and Clyde” (1967; Gangster story, con costumi di Th. Van Runkle) influenzò la moda in misura considerevole. All’indomani dell’uscita del film, Faye Dunaway – con il suo abbigliamento caratterizzato da basco, pullover aderente e gonna longuette – portò alla ribalta lo stile Anni Trenta. Qualche tempo dopo un analogo fenomeno revivalistico, questa volta degli Anni Venti, fu provocato dalla trasposizione cinematografica del romanzo di Francis Scott Fitzgerald “The great Gatsby” (1974; Il grande Gatsby). Sia gli impeccabili completi disegnati dallo stilista Ralph Lauren per Robert Redford nei panni di Gatsby, sia i vestiti indossati da Mia Farrow, ebbero un enorme successo e valsero un Premio Oscar per i costumi a Th. Aldridge. Vanno inoltre ricordati l’enorme successo che ebbe nel 1977 lo stile androgino di “Annie Hall” (1977; Io e Annie, costumi di Robert Morley; alcuni abiti furono forniti da Ralph Lauren e da J. Ch. de Castelbajac), dopo l’uscita dell’omonimo film di Woody Allen, il rilancio della sahariana dopo l’uscita sul grande schermo di “Out of Africa” di Sydney Pollack (1985; La mia Africa, costumi di Milena Canonero), o ancora il revival degli anni Quaranta favorito da Evita (1996; costumi di P. Rose) di A. Parker.

Dal costumista allo stilista

Come si è già osservato, sul set di “Sabrina” si ebbe la prima significativa collaborazione di uno stilista con il mondo del cinema. Fino ad allora le collaborazioni tra c. e grandi sarti si erano rivelate spesso fallimentari a causa della grande difficoltà da parte di questi ultimi ad adattarsi ai particolari ritmi di lavoro dello star system, caratterizzati da estenuanti ore di prove e condizionati dai volubili umori delle dive. Ebbero tale sorte sia Gabrielle Chanel (1883–1971) sia la sua acerrima rivale Elsa Schiaparelli, quando negli Anni Trenta provarono a cimentarsi nel Cinema hollywoodiano. Qualche anno prima di Givenchy, forse solamente Christian Dior (1905–1957) era riuscito a collaborare con il mondo del Cinema con un certo successo. Portano infatti la sua firma gli abiti indossati da Marlene Dietrich nel film di Alfred Hitchcock, “Stage fright” (1950; Paura in palcoscenico), come anche quelli, che gli valsero una nomination all’Oscar, realizzati per Jennifer Jones in “Stazione Termini” di Vittorio De Sica (1953, poi distribuito negli Stati Uniti col titolo Indiscretion of an American wife).

Se fino ad allora, tranne rare eccezioni, le icone del gusto uscivano direttamente dalle faraoniche sartorie delle case cinematografiche e la moda aveva nel Cinema un veicolo di diffusione, a partire dalla fine degli anni Sessanta, dopo il declino dei grandi studi e la scomparsa dei maestosi reparti per i costumi, vi fu un cambiamento di tendenza. Molto spesso il costumista, soprattutto nei film che hanno un’ambientazione contemporanea, ricorre ad abiti confezionati. In tal modo il suo ruolo creativo viene in parte ridotto. Il risultato di questa tendenza appare chiaro se si esaminano le statistiche relative agli Oscar. Dopo il 1966 infatti, quando l’Oscar per i costumi fu vinto da Irene Sharaff con “Who’s afraid of Virginia Woolf?” (1966; Chi ha paura di Virginia Woolf?), il premio è stato assegnato solamente per costumi storici o fantastici.

Elizabeth Taylor e Richard Burton – Chi ha paura di Wirginia Wolf – 1966

La figura dello stilista acquista quindi sul set una notevole rilevanza. Egli offre i suoi abiti alla produzione cinematografica con reciproco vantaggio: pubblicità per la griffe e costo ridotto dei costumi per la produzione. Recentemente si è andata sviluppando una forma particolare di cooperazione tra stilista e studio cinematografico: il promo-costuming, consistente nel fatto che stilisti famosi consegnano un’intera collezione di costumi per un film, con indiscutibili vantaggi economici per la produzione.

Numerosi gli stilisti che, negli ultimi anni, hanno collaborato col grande schermo, tra cui Armani, Cerruti, Chanel, Fendi, Ferragamo, Gaultier, Gucci, Krizia, Prada, Soprani, Valentino, Versace e molti altri.

Armani, per esempio, ha fornito le sue creazioni a una lunga serie di film, a partire dagli abiti indossati da Richard Gere in “American gigolo” (1980), che hanno imposto nell’immaginario collettivo lo stile Armani, fino a quelli per “The untouchables” (1987; Gli intoccabili) di Brian De Palma, o a quelli indossati da Ving Rhames in “Pulp fiction” (1994) di Quentin Tarantino. Innumerevoli sono anche le collaborazioni di Nino Cerruti (n. 1930) con i divi del Cinema. È stato lui a creare gli abiti indossati di Michael Douglas sul set di “Basic instinct” (1992) e a vestire Richard Gere nei panni del protagonista di “Pretty woman” (1990). E ancora le Sorelle Fendi che, per “Evita” (1996) di Alan Parker, interpretato da Madonna, hanno realizzato insieme a Ferragamo pellicce e calzature fedelmente ispirate agli Anni Quaranta; Chanel che, vestendo Victoria Abril in “Tacones lejanos” (1991; Tacchi a spillo) di Pedro Almodóvar, ha messo sapientemente in risalto ogni dettaglio della produzione della Maison; Gianni Versace (1946–1997) e J.P. Gaultier (n. 1952) che, per lo stesso regista, hanno creato il guardaroba rispettivamente di V. Forqué e di V. Abril in “Kika” (1994). Ancora più recentemente Gaultier ha firmato i costumi del thriller di Luc Besson “The fifth element” (1997; Il quinto elemento).

D’altra parte Robert Altman ha voluto ambientare nel mondo della moda un suo film, “Prêt-à-porter” (1994, costumi di C. Leternie), in cui gli stilisti si improvvisano attori interpretando se stessi. Anche Win Wenders e Martin Scorsese hanno affrontato il tema dei rapporti tra Cinema e Moda prediligendo però la forma documentaristica. Intervistando lo stilista giapponese Y. Yamamoto (n. 1943), Wenders ha realizzato “Aufzeichnungen zu Kleidern und Städten” (1989; Appunti di viaggio su moda e città), mentre Scorsese, grande conoscitore dello stile Armani, ha girato su di lui un cortometraggio di 27 minuti, “Made in Milan” (1990).

Questa rubrica parlerà di tutto quello che riguarda il Mondo della Moda nel Cinema : stilisti, disegnatori, mannequin, modelle, sfilate, costumi di scena, ecc.